“Renaissance” est la preuve que Beyoncé n’a jamais fini d’apprendre

Beyoncé Knowles n’a jamais été une artiste pour faire connaître au public son prochain mouvement, sans parler des détails de sa vie personnelle. Mais en août 2021, le musicien a enfreint ces deux règles en livrant une longue interview à Bazar de Harper où elle a non seulement discuté de ses inspirations créatives et personnelles, mais a également donné un aperçu des thèmes directeurs de son prochain projet. “Avec tout l’isolement et l’injustice de l’année écoulée, je pense que nous sommes tous prêts à nous échapper, à voyager, à aimer et à rire à nouveau”, a déclaré Knowles. “Je sens une renaissance émerger et je veux contribuer à nourrir cette évasion de toutes les manières possibles.”

Un an plus tard, Renaissance, le septième album studio de Beyoncé, est arrivé. Le dictionnaire Oxford définit la « renaissance » comme « un renouveau ou un regain d’intérêt pour quelque chose », bien que la traduction française exacte soit « renaissance ». De l’aveu même de l’artiste, le disque est censé documenter une période de sursis et de joie après deux ans de pandémies, de protestations et de chagrin général. Cependant, il serait facile d’interpréter le titre de l’album comme une référence à l’artiste elle-même, car Renaissance marque son premier long métrage depuis son chef-d’œuvre de 2016, Limonade. RenaissanceLe titre de soulève plusieurs questions : qu’est-ce que cela signifie pour une artiste comme Beyoncé, qui n’est jamais loin du centre de la conversation culturelle même lorsqu’elle ne diffuse pas activement de la musique, d’avoir une renaissance ? À quoi cela ressemble-t-il lorsqu’un musicien qui, à bien des égards, a établi la norme de l’industrie moderne renaît ? Sur RenaissanceBeyoncé démontre un engagement envers la croissance artistique continue, refusant de se reposer sur ses lauriers, quelle que soit la taille de sa star.

Renaissance marque une nouvelle méthode de narration de Beyoncé : Si Limonade était un exercice de construction d’un récit musical de longue durée, son dernier disque clipsant des scènes individuelles dans le cadre d’un projet de construction du monde plus vaste. L’univers que Beyoncé a créé sur Renaissance est celle de la joie, du plaisir, de l’hédonisme, de la confiance retrouvée et de la puissance assurée. Bien qu’elle ait déjà exploré ces thèmes, ils se sentent recontextualisés compte tenu du climat social et politique dans lequel elle sort le disque. Ce nouvel état d’esprit est peut-être le plus évident dans sa vision du féminisme et du pouvoir, qui a radicalement changé depuis le début de sa discographie. Sur le single “Break My Soul”, Beyoncé chante joyeusement le fait de quitter son travail pour se concentrer sur l’amour et le plaisir, tandis qu’un extrait de Big Freedia encourage les auditeurs à “libérer” leur travail et leur stress. “Ils me travaillent tellement dur, travaillent à neuf heures, puis à cinq heures”, se lamente Beyoncé. Son sentiment s’oppose directement à son hit de 2011 “Run the World (Girls)”, dans lequel l’artiste a célébré la femme qui travaille: “Je travaille de neuf à cinq, mieux vaut couper mon chèque.” D’autres morceaux, comme l’ouverture “I’m That Girl”, réifient la confiance colossale et l’arrogance de l’artiste tout en la séparant de l’opulence souvent associée à sa célébrité : “Ce ne sont pas les diamants, ce ne sont pas les perles, je suis cette fille.” Sur Rrenaissance, le pouvoir ne découle pas de l’argent, du travail ou du statut, mais plutôt de la «libération» de toutes ces choses qui définissaient auparavant l’art et la personnalité de Beyoncé. Le disque trouve l’artiste à son esprit le plus libre, ce qui, en un sens, la met à son tour à son tour le plus puissant.

Alors que le lyrisme et les thèmes de Renaissance trouver Beyoncé mettant de vieilles idées sous un nouveau jour, sa musique et sa production illustrent sa capacité à entrer sur un terrain entièrement nouveau et à expérimenter des genres qui n’ont pas encore été entendus dans sa vaste discographie. Les afrobeats puissants sont nombreux sur Renaissance, rendant les morceaux glorieusement décadents et dansants sans effort. La cinquième chanson du disque, “Energy”, trouve Beyoncé en train de rapper sur une instrumentation tropicale séduisante tandis que l’artiste jamaïcain américain de reggae BEAM décrit l’énergie sublime du club. Sur “Move”, qui met en vedette le musicien et producteur nigérian Tems, un rythme contagieux dansant reflète les paroles encourageantes de la chanson : “Move, move, move, skrrt off, make room / stampede coming through”, proclame Beyoncé alors que le morceau accélère, imitant le l’immédiateté d’un déluge sur la piste de danse. En témoignage de la gamme de Beyoncé, ces Afrobeats au rythme rapide vivent juste à côté de plusieurs morceaux plus éthérés d’inspiration disco sur Renaissance; des transitions incroyablement fluides permettent aux deux sons non seulement de coexister mais aussi de fusionner sur l’album. “Cuff It” et “Virgo’s Groove” utilisent une combinaison efficace de cordes psychédéliques, d’instruments de cuivres légers et d’une ligne de basse funky pour créer un groove brillant et rythmé parfait pour la piste de danse. Le morceau de clôture de l’album, “Summer Renaissance”, renforce l’ode de Beyoncé au disco via des références au tube classique de Donna Summer de 1977, “I Feel Love”. Elle plonge même dans l’EDM light : “All Up In Your Mind”, coproduit par l’artiste hyperpop AG Cook, a indéniablement un côté électronique.

Sur Renaissance, Beyoncé se pousse à voyager dans des genres qui semblent surprenants même pour un artiste d’une gamme apparemment infinie. L’une des chansons les plus surprenantes et les plus impressionnantes sur le plan lyrique du disque est “Church Girl”, dans laquelle l’artiste chante sur “Church girls agissant lâchement” et “bad girls agissant snotty” sur un rythme staccato rebondi construit autour d’un extrait d’hymne de l’éminent groupe de gospel The Clark Sisters. Beyoncé a grandi à l’église et a chanté dans la chorale de son église, des expériences qui se traduisent magnifiquement sur ce morceau : la chanson est à la fois une célébration de la tradition gospel et une subversion des normes souvent rigides et misogynes auxquelles les femmes noires sont tenues sous le christianisme. Son expertise religieuse transparaît clairement dans son lyrisme subtilement habile. “Personne ne peut me juger sauf moi, je suis né libre”, proclame l’artiste, une pièce de théâtre sur le chrétien commun disant que “seul Dieu peut te juger”. Un hymne indéniablement dansant, le morceau va au-delà du simple fait d’encourager les auditeurs à “le laisser tomber comme un thotty” pour plaider en faveur de l’autonomie corporelle au sein de l’église et en dehors de celle-ci. Dans la tradition chrétienne, les enfants subissent souvent la communion, un rituel où ils mangent une hostie qui symbolise le corps du Christ. “Maintenant, vous êtes le corps de Christ”, lit Corinthiens 12:27, “et chacun de vous en est une partie.” Quand Beyoncé déclare que “dès que j’entrerai dans cette fête, je vais lâcher ce corps”, cela ressemble à un rejet direct de cet idéal chrétien, une proclamation que son corps est le sien pour danser et bouger comme elle veut. D’une certaine manière, le morceau fonctionne comme un miroir musical du tube “Daddy Lessons” de Beyoncé en 2016, un jam country bruyant dans lequel le père chrétien texan de l’artiste “l’a juré sur la Bible” dont elle a besoin pour se protéger et même “tirer” dangereux. Hommes. “Church Girl” est une continuation du rejet par Beyoncé d’une tradition chrétienne patriarcale, et le morceau rappelle qu’elle peut nous amener à l’église selon ses propres conditions.

Une autre surprise sur Renaissance est son clin d’œil à la culture de la salle de bal queer, qui transparaît dans plusieurs chansons. Ballroom, une culture underground popularisée par les jeunes homosexuels noirs et bruns dans les années 1980, qui est entrée dans le courant dominant dans les années 2010 avec des émissions de télévision comme Pose et Course de dragsters de RuPaul, est un mode d’expression créative et de genre dans lequel les gens se pavanent de manière compétitive, souvent sur les pistes, tout en portant des costumes élaborés et sur un hymne puissant de leur choix. Cela peut sembler un choix étrange pour Beyoncé, qui n’est pas ouvertement queer ou trans, d’incorporer des éléments de salle de bal dans son album. L’artiste a expliqué son inspiration dans un article sur son site Web, remerciant son défunt oncle Jonny, qui était queer et a d’abord initié Beyoncé à de nombreux genres de musique différents. Son message continue de rendre hommage aux nombreuses personnes noires queer dont les innombrables contributions à la musique et à la culture sont souvent restées sans nom : « Merci à tous les pionniers qui sont à l’origine de la culture, à tous les anges déchus dont les contributions sont restées méconnues pendant trop longtemps. . C’est une fête pour vous. Bien que des odes à la salle de bal apparaissent tout au long de l’album, elles sont plus importantes sur “Pure / Honey”, qui utilise un rythme percussif rappelant les talons aiguilles martelant un podium. Un titre joyeux et anthémique, dont les paroles oscillent entre ironique et caricatural : « Pretty gworls to the floor, get your money money cunty hunty », scande l’artiste sur la basse percutante. Dans l’ensemble, les éléments de salle de bal sur Renaissance ressemblent plus à une collaboration qu’à une appropriation, comme en témoignent les collaborateurs du disque, tels que le DJ et producteur transgenre noir Honey Dijon, et l’artiste drag des années 90 Moi Renee. Les crédits de Renaissance revendiquer plus de collaborateurs queer et trans que tout autre album précédent de Beyoncé : l’auteur-compositeur-interprète Syd, par exemple, a coécrit et coproduit le sensuel et incroyablement lisse “Plastic Off The Sofa”. Ces collaborations, qui fonctionnent comme une reconnaissance et un hommage envers les communautés qui ont toujours été à la pointe de l’art et de la culture, soulignent l’engagement de Beyoncé envers l’apprentissage et la croissance artistiques.

L’amour de Beyoncé pour la musique et ses auditeurs brille de mille feux Renaissance-que l’artiste ait sorti un album tout en élevant une famille et en dirigeant une entreprise distincte pendant une pandémie en dit long sur son engagement envers son art. Dans un sens, l’album fonctionne non seulement comme une opportunité d’apprentissage pour l’artiste mais aussi pour le consommateur, qui peut très bien être initié à un nouveau genre ou à un artiste dès sa première écoute. C’est peut-être la plus grande leçon que Beyoncé nous ait donnée : peu importe à quel point nos étoiles brillent déjà, nous avons toujours en nous la capacité de continuer à apprendre et à expérimenter, à renaître.

Mary Retta écrit sur la politique et la culture. Son travail se trouve dans New York magazine, La nation, Viceet d’autres points de vente.



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